Joheunnom nabbeunnom isanghannom. Corea del Sur. 2008. Director: Kim Ji-woon. Guionistas: Kim Ji-woon y Kim Min-suk. Productor: Choi Jae-won. Fotografía: Lee Mo-gae y Oh Seung-chul. Música: Dalparan y Chan Young-gyu. Intérpretes: Lee Byung-hun, Song Kang-ho, Jung Woo-sung, Uhm Ji-won. 129 min.

Impresionante supuesto remake a la coreana del clásico de Sergio Leone en el que el venerado por los aficionados al cine oriental Kim Ji-woon, autor de películas como Dos hermanas (2003) o A bittersweet life (2005) entre otras, ofrece todo un despliegue de acción y emoción mediante un alarde fílmico merecedor del premio a la mejor dirección en el pasado festival de cine de Sitges. El coreano nos presenta un duelo a tres bandas entre un cazarrecompensas (el bueno), un asesino a sueldo (el malo) y un bandido de medio pelo (el raro) que andan tras un tesoro escondido en el desierto, en la Manchuria de los años 30.

Tras este simple argumento la espectacularidad está servida y no nos va a dar tregua en las algo más de dos horas de duración de esta impactante cinta. Kim Ji-woon nos ofrece espectáculo en estado puro mediante un ritmo vertiginoso apoyado en una pegadiza banda sonora, una fotografía espectacular y un montaje soberbio. La película no engaña a quien se adentra en la sala, ofreciendo lo que promete: acción a raudales y alardes técnicos en escenas increíbles plagadas de un humor socarrón y diálogos ingeniosos pero sustentadas en un guión mínimo con la única función de servir de hilo conductor de las escenas.

En lo que se refiere a su comparación con el clásico de Leone tan solo decir que el punto de partida es el mismo, con el trío de protagonistas enfrentados, pero a partir de ahí la acción toma otros derroteros compartiendo tan solo el espíritu y algún que otro guiño. Más similitudes se pueden encontrar con la reciente producción japonesa Sukiyaki western django (Takashi Miike, 2007), que ya llevaba el espíritu del western a tierras orientales aunque con menos espectacularidad y mayores rarezas.

Véase en pantalla grande y con un paquete de palomitas gigante para dejarse llevar sin complejos por el torbellino que Ji-woon nos ha preparado y así disfrutar como enanos con las correrías de este trío de pillos estupendamente interpretado por estrellas del cine coreano. Muy disfrutable aunque totalmente vacía.

Lo mejor: El espectacular asalto al tren del incio.

Lo peor: Un metraje excesivo que acaba pesando.

Valoración (de 0 a 5): 3

The cottage. Gran Bretaña. 2008. Director y guionista: Paul Andrew Williams. Productores: Ken Marshall y Martin Pope. Fotografía: Christopher Ross. Música: Laura Rossi. Intérpretes: Andy Serkis, Jennifer Ellison, Georgia Groome, Doug Bradley, Steve O’Donnell, Reece Shearsmith, Johnny Harris, Dave Legeno. 92 min.

Divertida aunque intrascendente comedia con tintes de cine negro y de terror, dirigida por el desconocido en estos lares Paul Andrew Williams. La cinta nos presenta a dos hermanos bastante chapuceros que secuestran a la hija de un rico magnate para pedir su rescate. Lo que no saben es lo guerrillera que va a resultar la chiquilla ni que cerca de la casa donde mantienen a la secuestrada habita un ser deformado con muy malas pulgas.

Tras un arranque divertido y prometedor cargado de un humor bastante incorrecto con diálogos ácidos al más puro estilo británico, la película decae peligrosamente para acabar resultando una estúpida comedia de persecuciones con algún detalle sangriento y muy poca imaginación. Lejos queda de películas de este estilo mucho más estimulantes, como puede ser la reciente Desmembrados (Christopher Smith, 2006), dotada de un humor mucho más afilado y una narración infinitamente más entretenida.

Pese a ello se puede destacar alguna situación ocurrente y algún gag divertido. Entretenida a ratos y rápidamente olvidable.

Lo mejor: El desparpajo de la rubia.

Lo peor: El humor simplón del hermano de la rubia.

Valoración (de 0 a 5): 1,5

Interesante película incluida en la sección oficial fantástico del festival de Sitges pese a tratarse de un drama con cierta carga de intriga, donde el veterano Brian Cox interpreta a un hombre maduro al que tres adolescentes sin escrúpulos matan a sangre fría a su perro. El hombre no se quedará con los brazos cruzados y exigirá el arrepentimiento de los jóvenes.

Rodada con contención y una calma pasmosa, resulta sorprendente que la mano del mediocre Lucky McKee ande detrás de una dirección tan sobria. Quizá sea la aportación en la dirección del desconocido Trygve Allister Diesen la que haya conseguido que el californiano nos ofrezca su mejor obra. La película carece de originalidad y sorpresas, pero nos ofrece un sobrio relato social estupendamente narrado e interpretado que nos transporta hasta la América profunda, donde asistiremos al choque entre dos formas de vida totalmente opuestas, la de un humilde anciano tranquilo y noble que vive su vejez de forma pacífica y sosegada frente a la de unos niños mimados pertenecientes a la clase pudiente y que no dudan en acudir a papá para que les saque de los apuros.

La soberbia interpretación de Brian Cox es el pilar en el que se sostiene la película, merecido premio a la mejor interpretación en el festival. El escocés consigue dotar a su personaje de una humanidad asombrosa, consiguiendo que nos emocionemos en los momentos más dramáticos de la cinta. Como contrapartida Tom Sizemore interpreta al necesario antagonista de Cox, un hombre adinerado y sin escrúpulos incapaz de castigar la imperdonable actuación de sus hijos.

Pese a su corrección formal y estilística, la película deja un regusto a telefilme que no le favorece en absoluto y que contrasta con las buenas sensaciones que se perciben durante su visionado. Correcta, por lo tanto, pero sin capacidad de sorpresa ni de dejar una profunda huella en el espectador.

Lo mejor: El escalofriante monólogo de Brian Cox explicando su terrible pasado ante la cámara.

Lo peor: La previsibilidad de los acontecimientos que nos narran.

Valoración (de 0 a 5): 2,5

RocknRolla. Gran Bretaña. 2008. Director y guionista: Guy Ritchie. Productores: Steve Clark-Hall, Susan Downey, Guy Ritchie y Joel Silver. Fotografía: David Higgs. Música: Steve Isles. Intérpretes: Gerard Butler, Thandie Newton, Tom Wilkinson, Jamie Campbell Bower, Gemma Arterton, Jeremy Piven, Mark Strong, Idris Elba. 116 min.

Regreso por la puerta grande del irregular Guy Ritchie, un director capaz de rodar desde engendros con su señora esposa como Barridos por la marea (2002) hasta películas frescas y entretenidas como Snatch, cerdos y diamantes (2000), película que sirve de claro referente a esta nueva incursión en el género de las mafias, la corrupción y la delincuencia. En este caso asistiremos a la disputa que un grupo de personajes de dudosa reputación mantiene para hacerse con el dinero que un mafioso ruso ha puesto en un acuerdo de compraventa ilegal de terrenos.

El mejor Ritchie se destapa en esta película, que si bien carece de toda originalidad, posee tal fuerza, dinamismo y frescura que se disfruta enormemente pese a no contar nada nuevo. Es inevitable que nos vengan a la mente directores como Quentin Tarantino o Danny Boyle durante el visionado de la cinta, pero Guy Ritchie sabe dotar de un estilo propio a sus personajes pese a no alcanzar la genialidad de los diálogos del norteamericano ni los niveles de crudeza del inglés.

La película tiene estructura creciente, comenzando de forma más o menos tranquila con la presentación de los múltiples personajes que pueblan la cinta y acelerándose conforme avanzan los minutos para acabar arrastrando irremediablemente a los espectadores en una espiral de acción, humor y situaciones rocambolescas narradas con un ritmo trepidante, un montaje endiablado y una música que nos hace vibrar en la butaca. Quizá el exceso de personajes hace un tanto complejo seguir la trama con detalle quedando algunos de ellos muy poco definidos, pero hay que destacar la genialidad de alguno de ellos como el estupendo One-two interpretado por Gerard Butler o el mafioso ruso al que da vida el checo Karel Roden.

Afortunado regreso a sus orígenes del director británico que demuestra moverse con soltura en este género pese al encasillamiento que ello le supone.

Lo mejor: La genial escena del encuentro sexual narrada mediante el montaje de 4 planos.

Lo peor: La repetición de esquemas y falta de originalidad.

Valoración (de 0 a 5): 3

Vinyan. Bélgica – Francia – Gran Bretaña. 2008. Director: Fabrice Du Welz. Guionistas: Fabrice Du Welz, Oliver Blackburn y David Greig. Productor: Michael Gentile. Fotografía: Benoît Debie. Música: François Eudes. Intérpretes: Rufus Sewell, Emmanuelle Béart, Julie Dreyfus, Petch Osathanugrah, Amporn Pankratok, Borhan Du Welz. 96 min.

El director de la estimable Calvario (Fabrice Du Welz, 2004) regresó al festival de Sitges para presentar su nueva película, un intenso drama con tintes sobrenaturales y rodado en inglés donde una desesperada madre (Emmanuelle Béart) cree reconocer en un vídeo la imagen de su hijo desaparecido en el tsunami que asoló el sudeste asiático en diciembre de 2004. Junto a su marido (Rufus Sewell) regresará a la zona devastada en una búsqueda sin retorno.

Pese a lo que a priori pueda parecer no nos encontramos ante una historia de terror o de fenómenos paranormales al uso, sino ante un intensísimo drama psicológico donde la desesperación de una madre, una impresionante Emmanuelle Béart, la obligará a llevar a cabo la búsqueda de su hijo hasta las últimas consecuencias, tanto en el terreno físico como en el mental. La incursión del desesperado matrimonio en tierras birmanas de la mano de personajes con una más que dudosa reputación, está rodada con una fuerza y tensión abrumadoras, mostrándonos a la vez la miseria y belleza de dichos parajes mediante unas imágenes impactantes y escenas sin concesiones. Como telón de fondo destaca en todo momento la compleja relación que vive la pareja, donde la disparidad de sus caracteres unida a su diferente forma de afrontar el tremendo drama de la pérdida de un hijo será clave para la resolución del film.

El visionado de la cinta resulta bastante complejo, pudiendo resultar excesivamente pesada para espectadores poco habituados al cine europeo. Tanta intensidad y sufrimiento puede dejar agotado a más de uno, pero satisfará a los amantes de dramas intensos y emociones fuertes enfocados desde un punto de vista atípico. Eso sí, los amantes de lo sobrenatural sólo se verán satisfechos en la confusa recta final del film, donde asistiremos a la incursión de los vivos en terrenos prohibidos, todo ello filmado de forma espectacular y con una fuerza arrolladora.

Lo mejor: La fuerza de cada una de sus escenas.

Lo peor: Tanta opresión puede resultar excesiva.

Valoración (de 0 a 5): 3

Ramírez. España. 2008. Director y guionista: Albert Arizza. Productores: Albert Arizza y Mónica Goyanes. Fotografía: Albert Arizza y Dimas Almendros. Música: Juan Belda. Intérpretes: Cristian Magaloni, Sara Martín, Zoe Berriatúa, Geraldine Chaplin, Anastasia Meriaux, Olalla Escribano. 96 min.

El vivir cada día de un asesino en serie es un género del que se han rodado ya muchas películas. En general son cintas muy crudas, normalmente de bajo presupuesto y en las que rezuma el realismo más atroz. A este género se adscriben clásicos modernos como las brutales Henry, retrato de un asesino (John McNaughton, 1986), Ocurrió cerca de su casa (Belvaux – Bonzel – Poelvoorde, 1992) o Clean, shaven (Lodge Kerrigan, 1993). El debutante Albert Arizza se une al género con una obra sincera, de bajísimo presupuesto y mucho menos impactante que sus predecesoras. Ramírez es un joven atractivo y acomodado, que mantiene una extraña relación con su madre y se gana la vida traficando con drogas. En sus ratos libres, además, se dedica a asesinar mujeres a las que previamente ha seducido.

La corrección es la norma general de la cinta. Sin estridencias ni alardes, Arizza consigue que la película funcione consciente de las limitaciones de su presupuesto y de la falta de experiencia de los participantes. Cristian Magaloni resulta convincente en su papel de seductor asesino así como el resto de secundarios, de manera que la película transcurre sobria y sin chirriar en ningún momento.

Sin embargo, el director no nos ofrece nada que no hayamos visto ya. Pese a adentrarse en la psicología del personaje y mostrarnos sus intimidades con todo lujo de detalles, el director no consigue sorprendernos, impactarnos o sensibilizarnos por lo que la película se ve con interés pero también se olvida rápidamente.

Un interesante debut en el largometraje con un género en el que es muy fácil dar un patinazo, lo que augura un futuro prometedor para su director y reparto.

Lo mejor: Su humildad tan bien llevada.

Lo peor: El disfraz del final.

Eden log. Francia. 2007. Director: Franck Vestiel. Guionistas: Franck Vestiel y Pierre Bordage. Productor: Cédric Jimenez. Fotografía: Thierry Pouget. Música: Alex y Willie Cortés. Intérpretes: Clovis Cornillac, Vimala Pons, Zohar Wexler, Sifan Shao, Arben Bajraktaraj, Gabriella Wright. 98 min.

Ciencia ficción a la europea en el debut del director parisino Franck Vestiel, que nos presenta una claustrofóbica historia donde se relata la ascensión hacia la superficie de un individuo que despierta sin memoria junto a un cadáver en una oscura caverna. En su trayecto irá recordando su historia mientras se enfrenta a criaturas mutantes y se encuentra a otros misteriosos personajes.

La idea no es mala y está llevada a cabo con una sorprendente puesta en escena y una opresiva fotografía. Desgraciadamente la película es un auténtico tostón, difícil de aguantar sin soltar algún bostezo, pesando cada minuto como una losa sobre los párpados del espectador. Se antepone la forma al fondo, lo cual supone un error imperdonable a mi entender al mostrarnos una historia muy confusa y repetitiva de muy escaso interés mientras el director se regodea mostrándonos los alardes técnicos y decorativos de la cinta.

No creo que satisfaga ni tan siquiera a los fans de la ciencia ficción sesuda, ya que bajo su apariencia compleja la trama es de lo más simple. Se nos vende complejidad y se nos ofrece confusión.

Lo mejor: La sensación de claustrofobia.

Lo peor: Se hace pesadísima.

Valoración (de 0 a 5): 1

Repo! The genetic opera. USA. 2008. Director: Darren Lynn Bousman. Guionistas y música: Darren Smith y Terrance Zdunich, basados en su propio musical. Productores: Mark Burg, Daniel J. Heffner, Oren Koules y Carl Mazzocone. Fotografía: Joseph White. Intérpretes: Alexa Vega, Bill Moseley, Paul Sorvino, Paris Hilton, Nivek Ogre, Anthony Stewart, Terrance Zdunich, Sarah Brightman. 110 min.

El dudoso currículum de Darren Lynn Bousman, formado por las secuelas de la película Saw (James Wan, 2004), nos hacía dudar de su capacidad de llevar a buen puerto este musical futurista rodado con amplitud de medios, muy publicitado y rodado bajo un fuerte secretismo. Tal es así que la sesión matinal del festival de Sitges tuvo que ser suspendida, con el público ya en la sala, ante la decisión de la distribuidora de no proyectar el film al no existir las garantías suficientes de la ausencia de cámaras en la sala. En la sesión nocturna, donde por fin se proyectó, el público asistente fue sometido a un registro minucioso a la entrada del Auditori, lo que causó un fuerte malestar que fue expresado con silbidos ante un resignado director del festival.

Anécdotas aparte hay que decir que Bousman, pese a lo limitado de su talento, no defrauda del todo con este musical, del cual ya que realizara en el año 2006 una versión reducida en un cortometraje. Se trata de un relato futurista, rodado a ritmo de rock gótico, en el que se nos presenta un mundo donde una epidemia que causa fallos orgánicos está devastando el planeta. La empresa Geneco tiene la exclusiva para la suplantación de órganos mediante avanzadas operaciones de cirugía, pero en caso de que sus clientes no sean capaces de hacer frente a los pagos se reservan el derecho de recuperar sus órganos aunque sea provocando la muerte de su portador.

Un argumento bastante original que comienza siendo explotado con eficacia pero va cayendo en la rutina conforme avanzan los minutos, a pesar de que el director se esfuerza por sobresaltar al espectador intercalando viñetas de cómic explicativas con brillantez, pero torturándonos con un montaje aceleradísimo donde no hay un plano que dure más de 10 segundos.

Los personajes son curiosos aunque podrían haber sido un poco más explotados, destacando las interpretaciones de la pareja protagonista y del enorme Paul Sorvino. Todos los artistas cantan con mayor o menor fortuna, resultando algo irregulares los números musicales que harán las delicias de los siniestros amantes del metal gótico y pueden llegar a hartar al público más generalista.

Una cinta curiosa que gustará al público más innovador pese a que el resultado quede lejos de lo que a priori se promete. Puristas del cine clásico abstenerse.

Lo mejor: Lo original de la propuesta.

Lo peor: El aceleradísimo montaje.

Valoración (de 0 a 5): 2,5

Sexykiller, morirás por ella. Director: Miguel Martí. Guionista: Paco Cabezas. Productores: Jaume Roures y Tedy Villalba. Fotografía: Carles Gusi. Música: Fernando Velázquez. Intérpretes: Macarena Gómez, César Camino, Alejo Sauras, Paco León, Ramón Langa, Ángel de Andrés López, Javier Botet, Fernando Ramallo. 90 min.

Sin ser ninguna maravilla, nos encontramos con la mejor película española exhibida en el festival de Sitges de este año, lo cual no es decir mucho ante el bajo nivel de esta edición. Miguel Martí, especializado en comedias juveniles con cierta mala leche, nos ofrece una divertida comedia negra en la que una asesina en serie nos cuenta las fechorías que ha cometido en el centro en el que estudia.

El guión de Paco Cabezas, autor de la irregular Aparecidos (2007), destaca por encima de la puesta en escena del director, mostrándose muy ingenioso y extraordinariamente divertido. La cinta no es más que una parodia de cine de género, desde las películas de terror juveniles norteamericanas con asesino en serie hasta el universo de los zombis, eso sí, más cercano al estilo del primer Sam Raimi que al del maestro Romero.

Macarena Gómez se come la pantalla en cada escena, mostrándose simpática y con una gran soltura en su papel de asesina psicópata. El resto del reparto cumple las necesidades del guión, siempre de forma desenfadada y sin afán de grandes pretensiones. Y ahí radica el triunfo de la cinta, lo que unido a su falta de prejuicios le permite avanzar segura hasta una recta final donde todo va al aire y el desparrame es total.

En definitiva, un divertimento totalmente intrascendente que hará sonreír a todo aquel que se acerque y arrancará la carcajada de los fans del terror que disfrutarán con los continuos guiños y referencias al género sin caer en la parodia barata.

Lo mejor: Las intervenciones de Paco León.

Lo peor: Va dirigida a un público muy concreto.

Valoración (de 0 a 5): 2

Santos. España – Chile – Japón. 2008. Director y guionista: Nicolás López. Productores: Elizabeth Avellán, Eduardo Campoy y José Manuel Lorenzo. Fotografía: Chechu Graf. Música: Manuel Riveiro. Protagonistas: Javier Gutiérrez, Elsa Pataky, Leonardo Sbaraglia, Guillermo Toledo. 97 min.

Segunda película del chileno Nicolás López en la que pretende realizar un homenaje a los tebeos de superhéroes pero acaba realizando una película de escaso interés donde bajo la excusa del sentimentalismo y con una excesiva apología del frikismo no consigue despertar el interés del espectador, ni tan siquiera de los amantes del género. Y esto lo digo con conocimiento de causa, ya que fui un gran amante de este género de comics de los cuales aún sigo consumiendo obras seleccionadas (y otras no tanto).

El argumento pretende rebosar originalidad, pero se queda en una historia confusa y de escaso interés, mal narrada y peor interpretada como consecuencia de la vorágine onanista de su autor. Javier Gutiérrez es un dibujante de comics que resultará ser un superhéroe atípico que debe salvar el mundo de un ser de otra dimensión (Leonardo Sbaraglia) y a la vez rescatar a su amada (Elsa Pataky).

Técnicamente la cinta está bien realizada, con buenos efectos especiales y curiosos guiños al noveno arte. Pero esto no salva la película del aburrimiento, algo imperdonable en un supuesto film de entretenimiento. Si a todo ello unimos unos personajes ridículos y lo anodino de las situaciones hace de Santos una película totalmente prescindible que no se puede recomendar ni a los supuestos freaks a los que el director pretendía emocionar.

Lo mejor: Algún guiño gracioso.

Lo peor: Que sea tan aburrida.

Valoración (de 0 a 5): 1