Archive for the ‘Drama’ Category

VINYAN (2008)

22 octubre 2008

Vinyan. Bélgica – Francia – Gran Bretaña. 2008. Director: Fabrice Du Welz. Guionistas: Fabrice Du Welz, Oliver Blackburn y David Greig. Productor: Michael Gentile. Fotografía: Benoît Debie. Música: François Eudes. Intérpretes: Rufus Sewell, Emmanuelle Béart, Julie Dreyfus, Petch Osathanugrah, Amporn Pankratok, Borhan Du Welz. 96 min.

El director de la estimable Calvario (Fabrice Du Welz, 2004) regresó al festival de Sitges para presentar su nueva película, un intenso drama con tintes sobrenaturales y rodado en inglés donde una desesperada madre (Emmanuelle Béart) cree reconocer en un vídeo la imagen de su hijo desaparecido en el tsunami que asoló el sudeste asiático en diciembre de 2004. Junto a su marido (Rufus Sewell) regresará a la zona devastada en una búsqueda sin retorno.

Pese a lo que a priori pueda parecer no nos encontramos ante una historia de terror o de fenómenos paranormales al uso, sino ante un intensísimo drama psicológico donde la desesperación de una madre, una impresionante Emmanuelle Béart, la obligará a llevar a cabo la búsqueda de su hijo hasta las últimas consecuencias, tanto en el terreno físico como en el mental. La incursión del desesperado matrimonio en tierras birmanas de la mano de personajes con una más que dudosa reputación, está rodada con una fuerza y tensión abrumadoras, mostrándonos a la vez la miseria y belleza de dichos parajes mediante unas imágenes impactantes y escenas sin concesiones. Como telón de fondo destaca en todo momento la compleja relación que vive la pareja, donde la disparidad de sus caracteres unida a su diferente forma de afrontar el tremendo drama de la pérdida de un hijo será clave para la resolución del film.

El visionado de la cinta resulta bastante complejo, pudiendo resultar excesivamente pesada para espectadores poco habituados al cine europeo. Tanta intensidad y sufrimiento puede dejar agotado a más de uno, pero satisfará a los amantes de dramas intensos y emociones fuertes enfocados desde un punto de vista atípico. Eso sí, los amantes de lo sobrenatural sólo se verán satisfechos en la confusa recta final del film, donde asistiremos a la incursión de los vivos en terrenos prohibidos, todo ello filmado de forma espectacular y con una fuerza arrolladora.

Lo mejor: La fuerza de cada una de sus escenas.

Lo peor: Tanta opresión puede resultar excesiva.

Valoración (de 0 a 5): 3

COBARDES (2008)

30 septiembre 2008

Cobardes. España. 2008. Directores y guionistas: José Corbacho y Juan Cruz. Productores: Julio Fernández y Tadeo Villalba hijo. Fotografía: David Omedes. Música: Pablo Sala. Intérpretes: Lluís Homar, Elvira Mínguez, Paz Padilla, Antonio de la Torre, Javier Bódalo, Eduardo Espinilla, Eduardo Garé, Ariadna Gaya, Maria Molins. 89 min.

José Corbacho y Juan Cruz regresan a la dirección cinematográfica tras la exitosa Tapas (2005) con una historia sobre acoso escolar, en la cual un adolescente es víctima de las burlas y agresiones de un grupito de compañeros capitaneados por el matón de la clase.

Lo que a priori podría haber sido una película interesante sobre un tema de actualidad y muy poco tratado en el cine, acaba resultando ser un film fallido, con una trama simplona que da la impresión de estar poco trabajada. Se echa en falta la frescura y atrevimiento de su ópera prima en esta cinta excesivamente academicista y dogmática, que si bien está plagada de buenas intenciones no acaba de funcionar.

La historia de acoso no resulta creíble en ningún momento. Por una parte la violencia y excesos que cometen los agresores resulta desmedida y poco creíble, a pesar de que los informativos nos lleguen a mostrar historias aún más exageradas. Por otra, la historia familiar del adolescente matón es de lo más tópico, con el padre tan políticamente correcto como poco conocedor de su hijo y la madre sufridora que protege a su retoño. Sonrojante llega a ser la historia de amor entre el joven acosado y una compañera, con un desenlace absolutamente increíble planeado entre ambos, y que resulta contradictorio con el resto de la cinta.

Para colmo las interpretaciones resultan de lo más flojo, especialmente en lo que a los adolescentes se refiere y donde se nota una falta de experiencia en la dirección de actores. Tan solo destacar a Antonio de la Torre, un actor que siempre cumple pese a que se encuentre algo encasillado.

En definitiva, poco más que un telefilme exhibido en pantalla grande que no logra alterar nuestros sentimientos pese a sus buenas intenciones.

Lo mejor: Atreverse con un tema complejo, actual y poco tratado.

Lo peor: No conseguir tocar la fibra sensible del espectador.

Valoración (de 0 a 5): 1,5

LA LEY DEL SILENCIO (1954)

25 septiembre 2008

On the waterfront. USA. 1954. Director: Elia Kazan. Guionista: Budd Schulberg. Productor: Sam Spiegel. Fotografía: Boris Kaufman. Música: Leonard Bernstein. Intérpretes: Marlon Brando, Eva Marie Saint, Karl Malden, Lee J. Cobb, Rod Steiger, Pat Henning, Leif Erickson, James Westerfield, John Heldabrand, Rudy Bond, Martin Balsam, John Hamilton. 108 min.

Seguimos con la pareja Kazan – Brando en otra magnífica película galardonada con 8 Oscars de Hollywood incluyendo mejor película, director, actor principal, actriz secundaria y guión. La historia nos muestra como la vida de los estibadores de los muelles de Nueva York es controlada por una banda mafiosa que no duda en asesinar a todos aquellos que tratan de denunciarles. Terry Malloy (Marlon Brando) es un bruto ex-boxeador testigo y autor indirecto de algunas de sus fechorías pero con buen corazón. Cuando conoce a la hermana de una de las víctimas (Eva Marie Saint) se planteará denunciar a la banda con la ayuda del padre Barry (Karl Malden).

Hay quien quiere ver en esta película una justificación del director ante su actitud de denuncia de algunos compañeros ante el Comité de Actividades Antiamericanas en la época del McCarthysmo, pero lo que es cierto es que estamos ante una cinta intensa y emotiva, llena de valores positivos y que nos hace reaccionar ante la imposición que unos pocos consiguen someter a una inmensa mayoría mediante la fuerza.

La cinta está llena de personajes que viven al límite, gente humilde con poca cultura pero honrada y trabajadora que, sin embargo, agacha la cabeza para huir de los problemas. Estos personajes hacen la película tenga un carácter de cine social impregnado de un potente sentimiento de denuncia. Pero Kazan no se queda ahí, sino que ahonda en la psicología de los protagonistas, consiguiendo un elenco de personajes de personalidad bien definida que van a calar hondo en el espectador. Brando y Saint componen una pareja estupenda gracias al magnetismo del primero y a una actuación espléndida en el sorprendente debut cinematográfico de la segunda. Como guinda, Karl Malden compone un personaje de esos entrañables con los que el espectador simpatiza inmediatamente.

Con una gran fotografía en blanco y negro y una estupenda música de Leonard Bernstein, Elia Kazan rueda la que probablemente sea su mejor película, plagada de escenas antológicas y con un mensaje que, olvidándonos del pasado del director, cala hondo en el espectador.

Lo mejor: La química entre Marlon Brando y Eva Marie Saint.

Lo peor: Que se busque en la trama una justificación a lo que el director hizo.

Valoración (de 0 a 5): 4,5

UN TRANVIA LLAMADO DESEO (1951)

24 septiembre 2008

Tremendo melodrama el que nos ocupa a cargo del otomano Elia Kazan, en el que se nos presenta a Blanche (Vivien Leigh) una arrogante y a la vez remilgada mujer de oscuro pasado que se instalará en la humilde casa de su hermana Stella (Kim Hunter) y su violento marido (Marlon Brando). Su presencia creará un grave conflicto en la pareja y afectará a la salud mental de la propia Blanche.

Basado en la obra teatral del popular Tennessee Williams, autor a su vez del guión de la cinta, Elia Kazan construye un potente melodrama, tenso y sin concesiones, sustentado en unas interpretaciones que resultan absolutamente magistrales. Prueba de ello son los 3 Oscars interpretativos que recibió la cinta (mejor actriz a Vivien Leigh, mejor actriz secundaria para Kim Hunter y mejor actor secundario para Karl Malden). Sin estatuilla se quedó la potente interpretación de Marlon Brando como Stanley Kowalski, que pese a encumbrarse como mito absoluto con su poderosa presencia en esta película perdió el Oscar en favor del Humphrey Bogart de La reina de Africa (John Huston, 1951). No en vano la venta de camisetas ajustadas se disparó en Estados Unidos tras el estreno de la película.

La película nos presenta un destructivo duelo psicológico entre Vivien Leigh y Marlon Brando, absolutamente desgarrador y con efectos colaterales en los emotivos personajes interpretados por Kim Hunter y un soberbio Karl Malden. Dicho duelo acabará derivando en lo físico con unas escenas de gran impacto las cuales sorprenden en una película del año 51, y todo ello a pesar de la suavización de algunos de los pasajes más escabrosos de la obra en su adaptación para la gran pantalla con el fin de evitar el implacable brazo de la censura (los motivos del suicidio del marido de Blanche o la violación que sufre ella misma, por poner dos ejemplos) . Y es que se trata de una trama muy fuerte mostrada de una forma intensa y sin cortapisas.

Mención especial hay que hacer de la banda sonora, compuesta por varios temas jazzísticos que nos aproximan a la ciudad de Nueva Orleans en la que transcurre la trama.

Una película dura, sin concesiones, que mediante un estilo cercano al teatro con largas tomas cargadas de diálogos de gran intensidad, nos hace reflexionar sobre las relaciones de pareja y familiares bajo la sombra del sometimiento y el maltrato. 

Lo mejor: La dominante y a la vez irresistible presencia de Marlon Brando, un personaje abominable pero que presenta un magnetismo difícil de explicar.

Lo peor: Que nos hunda moralmente con absoluta maestría pero no nos deje un solo resquicio de esperanza.

Valoración (de 0 a 5): 4

14 KILOMETROS (2007)

24 agosto 2008

14 kilómetros. España. 2007. Director y guionista: Gerardo Olivares. Fotografía: Alberto Moro. Música: Santi Vega. Intérpretes: Adoum Moussa, lliassou, Mahamadou Alzouma, Aminata Kanta. 95 min.

Navegando entre la ficción y el documental, Gerardo Olivares vuelve a entregarnos una magnífica película que consigue emocionar a la vez que sensibilizar al espectador en un tema de completa actualidad sin llegar a resultar en ningún momento dogmático ni panfletario.

La obra, galardonada con la Espiga de Oro en la Seminci de Valladolid, nos muestra el tortuoso camino que siguen dos jóvenes africanos para atravesar su continente y acabar cruzando en una patera los 14 kilómetros que separan Africa de Europa a través del Estrecho de Gibraltar. La odisea consigue emocionar al espectador, pero no sólo a base de sentir lástima de los protagonistas al ser testigos de su sufrimiento, sino consiguiendo que nos identifiquemos con ellos gracias a la excelente labor narrativa de su director. A ello hay que sumar la total naturalidad interpretativa tanto de los protagonistas como de todo el elenco de secundarios, actores no profesionales que interpretan roles muy cercanos a los que desarrollan en sus vidas reales.

Es cierto que el guión no resulta demasiado original ya que lo que nos cuenta estamos hartos de verlo a diario en los informativos televisivos, pero el pulso narrativo de Olivares y el hecho de que el grueso de la cinta se centre en la travesía africana, desconocida para la mayoría de espectadores, más que en el paso del Estrecho hace que la película resulte emocionante y nos toque la fibra sensible.

A parte quedan una excelente fotografía y una música excepcional, lo que completa una brillante película tan interesante como necesaria.

Lo mejor: La odisea en el desierto.

Lo peor: El gesto humano aunque improbable del guardia civil del final, una licencia que rompe la sobriedad mostrada hasta ese momento.

Valoración (de 0 a 5): 3,5

PUDOR (2007)

22 agosto 2008

Pudor. España. 2007. Directores: David y Tristán Ulloa. Guionista: Tristán Ulloa, basado en la novela de Santiago Rocangliolo. Productor: José Antonio Félez. Fotografía: David Omedes. Música: David Crespo. Intérpretes: Nancho Novo, Elvira Mínguez, Natalia Rodríguez, Celso Bugallo, Carolina Román, Marcos Ruiz, Lorena Mateo, Manolo Solo, Nuria González, Joaquín Climent, Héctor Colomé. 113 min.

Tremendo melodrama el que nos ofrecen con su debut en el largometraje los hermanos David y Tristán Ulloa. Una película sin un ápice de humor, demoledora y sin concesiones para el desconcertado espectador.

Se trata de una mirada a la intimidad de una familia desestructurada, donde todos sus miembros están llenos de temores e inseguridades y a los que, para colmo, acechan las tragedias más inesperadas. Nancho Novo y Elvira Mínguez interpretan al matrimonio protagonista con desigual fortuna. Mientras que al coruñés no nos lo acabamos de creer a pesar del esfuerzo interpretativo que demuestra en cada escena, interpretando a un empresario de éxito al que se le diagnostica un cáncer terminal y vive una fuerte crisis matrimonial, a la vallisoletana ganadora de un Goya se la ve mucho más suelta en su dramático papel de esposa frustrada. Más convincentes resultan los hijos de la pareja así como las amigas de ambos. Además, dentro del elenco de secundarios hay que destacar a Joaquín Climent, un actor que representa siempre un valor seguro en sus interpretaciones y que en este caso aporta un poco de cordura a la trama.

Por desgracia, ni los personajes evolucionan como sería deseable ni el guión avanza como cabría esperar. Los primerizos directores se limitan a mostrarnos una tras otra las tensas escenas de forma repetitiva, llegando a aburrir e incluso desesperar al espectador menos afín a este tipo de melodramas. Para colmo, pese al esfuerzo de querer mostrarse diferente tanto en la forma de rodar como en lo que a la narración se refiere, los personajes acumulan una serie de tópicos que nos hacen predecir muchas de sus acciones. Ya hemos visto demasiadas adolescentes desorientadas con tendencias lésbicas o ancianos ninguneados por sus familiares, por no hablar de niños simpáticos que ven fantasmas.

Un drama excesivamente pretencioso que pesa como una losa, sin humor ni un rayo de esperanza y que no consigue la complicidad del espectador.

Lo mejor: Las conversaciones de Joaquín Climent con Nancho Novo.

Lo peor: La relación de Nancho Novo con su secretaria.

Valoración (de 0 a 5): 1,5

MALAS TEMPORADAS (2007)

18 agosto 2008

Malas temporadas. España. 2007. Director: Manuel Martín Cuenca. Guionistas: Manuel Martín Cuenca y Alejandro Hernández. Productores: Fernando Victoria de Lecea y Pedro Zaratiegui. Fotografía: David Carretero. Música: Pedro Barbadillo. Intérpretes: Javier Cámara, Nathalie Poza, Eman Xor Oña, Leonor Watling, Fernando Echebarría, Gonzalo Pedrosa, Pere Arquillé, Raquel Vega. 115 min.

Nueva película del director consiguió la fama con La flaqueza del bolchevique (2003) y que vuelve a dar en el clavo con este acertado drama en el que confluyen las vidas de varios personajes cargados de problemas que tratarán de salir delante en un Madrid gris y claustrofóbico.

La película tiene un tono triste y dramático continuado, que está presente en todas las escenas pero que en casi ningún momento llega a resultar tremendista. A pesar del pesimismo reinante todos los personajes presentan valores positivos que dejan abierta una puerta a la esperanza y evitan que el espectador quede hundido en la miseria.

Uno de los mayores aciertos de la película es la envidiable forma con la que fluye la trama, consiguiendo que las diversas historias confluyan de manera natural. Otro acierto está en la construcción de unos personajes muy reales con los que sentimos gran empatía y conseguimos identificarnos. El trabajo de los actores es espléndido, destacando la tremenda interpretación de Natalie Poza, que borda el papel de trabajadora social madre de un hijo conflictivo que se niega a salir de su habitación. También sorprende Javier Cámara en un rol en el que no estamos acostumbrados a verle, mostrándose sobresaliente y demostrando su gran versatilidad interpretativa.

La película, a pesar de su ritmo lento y pausado, resulta toda una experiencia para los sentidos que se disfruta al máximo si nos dejamos llevar por su magnífica banda sonora y su atmósfera asfixiante. Sin duda se trata de un gran paso para este prometedor director que, incomprensiblemente, no ha tenido gran repercusión en el momento de su estreno.

Lo mejor: La versión del tema “Vete” interpretado por Leonor Watling.

Lo peor: El escaso reconocimiento recibido por esta gran película.

Valoración (de 0 a 5): 3,5

LA FLAQUEZA DEL BOLCHEVIQUE (2003)

16 agosto 2008

La flaqueza del bolchevique. España. 2003. Director y guionista: Manuel Martín Cuenca, basado en la novela de Lorenzo Silva. Productor: José Antonio Romero. Fotografía: Alfonso Parra. Música: Roque Baños. Intérpretes: Luis Tosar, María Valverde, Mar Regueras, Nathalie Poza, Manolo Solo, Jordi Dauder, Yolanda Serrano, Enriqueta Carballeira. 95 min.

Nos trasladamos ahora hasta la ópera prima de esta actriz tan fascinante que es María Valverde, aquí con unos añitos menos y en plan Lolita. Tras un leve accidente de coche con una maleducada pija madrileña (Regueras), un banquero de vida anodina y harto de todo lo que le rodea (Tosar) conocerá a la hermana pequeña de la mujer (Valverde) por la que comenzará a sentir una atracción que roza lo prohibido.

Muy interesante y bien planteada esta primera película del almeriense Manuel Martín Cuenca, que obtuvo una buena acogida entre crítica y público. Ya el arranque consigue engancharnos con la escena del accidente de coche, una escena original que sirve como atípica presentación de los protagonistas. A partir de ahí las situaciones rocambolescas se van sucediendo una tras otra, con el personaje de Luis Tosar desmadrado dando la nota a raíz del comportamiento de su partenaire en el accidente, siendo esta su vía de escape ante el hastío que siente en su trabajo y de su vida en general. Hasta que aparece en pantalla la fascinante Lolita que interpreta María Valverde y que hace ver la luz de nuevo al protagonista.

La química entre los dos protagonistas es total, resultando muy convincente una relación tan poco probable como la que se nos presenta. Luis Tosar hace un trabajo espléndido de principio a fin mostrándonos con solvencia la evolución que sufre su personaje, y la jovencísima María Valverde se muestra fascinante con cada una de sus miradas, pese a que las escenas de largas conversaciones entre la pareja protagonista lleguen a resultar algo monótonas.

La historia se mantiene sobria y realista hasta el tramo final, el cual resulta un tanto precipitado y artificial frente a lo que se nos ha mostrado hasta ese momento, pese a que se consiguen atar todos los cabos haciendo converger las diferentes tramas. Pese a ello la película mantiene un interés constante gracias a un guión que sabe ser original dentro de una historia que se ha contado cientos de veces, y a unas interpretaciones excelentes de un actor consolidado y de un joven valor que dará mucho que hablar.

Lo mejor: La química entre los protagonistas.

Lo peor: Los macarras del final.

Valoración (de 0 a 5): 3

LADRONES (2007)

15 agosto 2008

Ladrones. España. 2007. Director: Jaime Marqués. Guionista: Jaime Marqués y Juan Ibáñez, basados en una historia de Enrique López Lavigne. Productor: José Ibáñez. Fotografía: David Azcano. Música: Federico Jusid. Intérpretes: Juan José Ballesta, María Valverde, Patrick Bauchau, María Ballesteros, Carlos Kaniowsky, Erik Probanza. 101 min.

Regresamos a este su blog amigo tras unos días de descanso, y lo hacemos con una batería de películas españolas más o menos recientes. Para empezar la muy publicitada en el día de su estreno Ladrones, un drama romántico que nos cuenta la historia de amor entre un ladronzuelo criado en la calle (Ballesta) y una estudiante pijilla a la que le atrae el mundo del riesgo (Valverde).

Se trata de una producción de impecable factura, con una excelente música y fotografía, toda ella muy cuidada pero que no acaba de enganchar con una historia muy vista que sabe a refrito. Tras un arranque algo lento donde vamos conociendo al protagonista tratando de abrirse camino en la sociedad mediante un trabajo honrado en una peluquería, la película no se anima hasta que se deja ver a la turbadora María Valverde en pantalla.

El acercamiento del ladronzuelo a la joven acomodada resulta bastante creíble, consiguiendo una buena química entre los dos protagonistas. La cinta va creciendo en su parte intermedia con la fructífera coalición de los dos personajes, donde destacan las interpretaciones del macarrilla Ballesta, que repite el mismo papel en casi todas sus películas, y la niña bien que resuelve con soltura la joven y fascinante María Valverde.

La peor parte la encontramos en los momentos introspectivos del personaje de Ballesta, empeñado en buscar a su madre y practicando el hurto con un maniquí en escenas demasiado largas y anodinas. Se pretende profundizar en el drama del personaje y sus motivaciones pero los resultados son poco inspirados.

Le pesa demasiado la carga dramática que no consigue sensibilizar al espectador a una cinta poco original aunque muy correcta en su forma y con brillantes interpretaciones.

Lo mejor: La escena del bus en la que Valverde cae rendida a los encantos de Ballesta con su novio presente.

Lo peor: El drama intimista de Ballesta.

Valoración (de 0 a 5): 2

LAS INVASIONES BARBARAS (2003)

31 julio 2008

Les invasions barbares. Canadá – Francia. 2003. Director y guionista: Denys Arcand. Productores: Daniel Louis y Denise Robert. Fotografía: Guy Dufaux. Música: Pierre Aviat. Intérpretes: Rémy Girard, Stéphane Rousseau, Marie-Josée Croze, Dorothée Berryman, Louise Portal, Dominique Michel, Yves Jacques, Pierre Curzi, Marina Hands, Toni Cecchinato. 99 min.

Galardonada con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa y premiada en el festival de Cannes con la mejor interpretación femenina y mejor guión, esta cinta del sarcástico director canadiense Denys Arcand retoma los personajes de su película generacional El declive del imperio americano (1986) para centrarse en los últimos momentos en la vida de uno de ellos, afectado por un cáncer terminal. Por su habitación pasarán antiguos amigos, amantes y familiares mientras reflexiona sobre su pasado.

La ironía, humor negro y cinismo marca de la casa son una constante a lo largo del metraje, siempre con ese regusto amargo ante el tremendo pesimismo social de este director, que en este caso se centra en una fuerte crítica al sistema sanitario canadiense y al norteamericano

La película se basa en largas escenas plagadas de elaborados diálogos que se notan muy estudiados, lo que les resta frescura y realismo, algo innato a este director especialmente en las escenas que reúnen al protagonista con sus amigos librepensadores. El film incide en el fuerte contraste que existe entre el liberalismo e idealismo pedante del protagonista y sus amigos frente al materialismo de su hijo rico. Como cabe esperar, Arcand no se mantiene imparcial y se decanta por el bando progresista y cultureta, aunque tampoco se muestra excesivamente complaciente con ellos al mostrarnos como los ideales de juventud han ido desapareciendo con los años. De hecho, sólo muestra exitosos a aquellos que han traicionado sus ideales quedando el resto como auténticos fracasados.

El elenco actoral está espléndido y sobre ellos recae gran parte del peso de esta interesante película, que tras su fachada de ironía y crítica destructiva guarda un potente fondo dramático que consigue dejar tocado al espectador.

Lo mejor: La muerte dulce.

Lo peor: Su excesiva pedantería.

Valoración (de 0 a 5): 3